Alice In Chains – Jar Of Flies
Un poco de contexto sobre algo de lo que hablamos seguido: los EP. EP es la sigla de Extended Play, y un formato intermedio entre el simple y el LP, que es long play, que son los que conocemos como simplemente discos. Los simples originalmente en vinilo traían una canción por cada lado y en cd podían traer alguna más para aprovechar el espacio. Y los LPs que se popularizaron en los 60s y 70s para expandir el aspecto artístico de los músicos que podían crear un album con una colección de 10 canciones relacionadas entre ellas. El EP está en el medio, normalmente de 5 o 6 canciones, y es un producto casi exclusivo del formato cd, muchas veces usado como un placebo cuando alguna banda se tardaba demasiados años en sacar un nuevo disco, o como complemento de algún disco muy popular, para aprovechar a vender muchas copias rápido.
Pero algunas pocas veces se ha usado también como una expresión artística de una escala menor al album, más experimental o con un concepto muy marcado. Y sin ningún miedo a equivocarme puedo afirmar que el mejor EP de la historia fue editado en los 90s, más precisamente el 25 de enero de 1994, en medio del frío acosador de la ciudad de Seattle. Y le pertenece a los locales de Alice In Chains, a quienes les gustaba esto de grabar EPs entre sus discos, y lo que más les gustaba era grabar canciones acústicas. Pero no versiones acústicas de sus canciones a lo MTV Unplugged, estas eran todas canciones nuevas y originales. Y el EP que editaron en el 94, llamado Jar Of Flies, cambió el mundo, porque debutó en el puesto número 1 de la Billboard, convirtiéndose en el primer Extended Play en llegar a ese lugar en toda la historia.
Es muy fácil explicarlo, por un lado estabamos en el pico del furor por el grunge y del furor por los unplugged, y por otro lado este EP parece un grandes éxitos porque todas las canciones son hitazos. La realidad es que salió casi de casualidad, Layne Staley dijo en aquel momento que la banda sólo se juntó en el estudio con sus guitarras acústicas a pasar el tiempo y como ejercicio de composición, pero cuando el sello discográfico escuchó las canciones les dijo, acá hay oro. Y efectivamente lo había.
Tori Amos – Under The Pink
Myra Ellen Amos o Tori Amos, como la conocemos, venía de una familia en donde la religión tenía un rol protagónico y muy influenciada por la música y el piano como instrumento. A los cinco años fue aceptada en un prestigioso conservatorio de Baltimore y expulsada a los 11 por no adaptarse a las estrictas normas de la música clásica. Ya a los 12, Amos pasaba las noches tocando el piano en bares acompañando las noches solitarias, amorosas, alcoholizadas de los adultos que se volvían sus iguales. Ella, llena de claridad y rebeldía, fue la inspiración para muchas mujeres en una era fuertemente marcada por las luchas por la igualdad de géneros.
El disco Under The Pink, de 1994, fue su segunda producción de estudio, y allí Tori Amos explora la idea de un yo dislocado y su búsqueda por volverse completo. En las letras la cantautora enarbola un fuerte repudio al patriarcado, la represión de la mujer a ravés de la religión y la violencia sexual.
Underworld – Dubnobasswithmyheadman
Karl Hyde y Rick Smith, los responsables del dúo de música electrónica Underworld, venían de tocar juntos en una banda llamada Freur. Se trataba de un grupo de pop-rock medio dark con toques de electrónica que transmutó en Underworld allá por el año 1987. En esta primera etapa de Underworld, Hyde y Smith grabaron dos discos a los que no les prestaron mucha importancia “Underneath The Radar”, de 1988, y “Change The Weather”, de 1989.
Pero el momento épico de su historia vino un poco después, cuando la electrónica en general y el acid en particular revolucionaron la escena musical británica a finales de los 80 y principios de los 90 dejando una secuencia de discos que daban fe del nuevo orden: “The Stone Roses”, de 1988), “Technique”, de 1989 y el “Screamadelica”, de 1991). Hyde, que en ese entonces vivía en EEUU, decidió volver a Inglaterra y vio que Rick ya estaba re metido en la nueva escena electrónica de la mano de un joven amigo, el DJ Darren Emerson, quien se había ganado una merecida fama en sus sesiones del Milk Bar en el Soho londinense. Con este renovado line up y una declarada vocación experimental, los Underworld estaban preparados para grabar el siguiente disco, Dubnobasswithmyheadman, que se iba a unir a aquella secuencia hoy histórica.
Jimmy Eat World – Jimmy Eat World
Una de las bandas que iba a encabezar a la movida emo de los 90s, editaba su disco debut en enero de 1994. Ellos son Jimmy Eat World, un grupo que tuvo muchos cambios importantes para poder llegar a ese status de líderes culturales. Pero todo arranca acá, con su autotitulado primer disco. En realidad arranca en una de las tantas peleas de Jim Adkins con su hermano cuando eran chicos. Como Jim por ser mayor siempre le ganaba, un día el hermano para vengarse y decirle gordo de forma creativa, lo dibujó con crayones a Jim comiéndose el planeta tierra con la frase Jimmy Se Come al Mundo, o sea Jimmy Eat World.
El grupo se fue haciendo de abajo, inspirados en bandas de pop/punk pero con un sonido y una forma de cantar y unas letras que parecían un poco más quejosas, no el pop-punk más alegre que empezaba a volverse popular. Pero todavía no habían perfeccionado la formula, que iba a necesitar que la banda tenga un nuevo cantante, nuestro amigo Jim, que casualmente ya era parte del grupo. Pero esas son historias del futuro.
Course Of Empire – Initiation
Hay demasiada información para desempacar sobre el disco Initiation de la banda tejana Course Of Empire. Premier dato interesante es que hacian post punk en una época donde la influencia del género se sentía pero nadie se auto identificaba como post punk. Y realmente lo eran, en música y en espíritu, porque estos chicos eran oscuros de verdad. Tanto que tenían su propio gospel, que decía que se acerca el fin del mundo y que antes de eso vamos a vivir un período de sufrimiento y penumbras. Pero lo que los Course Of Empire hicieron que los distinguía del resto, era jugar con las posibilidades tecnológicas del compact disc, del cd. Por ejemplo, esconder canciones.
Y en este disco escondieron tres. Una fue el clásico track escondido al final del disco, después de varios minutos de silencio. Eso en un momento llegaron a hacerlo practicamente todas las bandas. Pero no se quedaron ahí, también escondieron una canción antes de que arranque el disco. Si vos agarrabas el cd y lo ponías y le dabas play, nunca ibas a poder escuchar esa canción, pero si una vez que le diste play, mantenías apretado el botón de retroceder, te podías pasar hacia atrás del inicio del disco y acceder a una porción que no se usaba pero que podía contener música. Esa fue la segunda, y la tercera canción que escondieron la enmascararon en un track que si lo escuchabas en cualquier estéreo, sonaba sólo a ruido de feedback, pero si te ibas a un equipo tan viejo que solo reproduzca en mono, o sea en un solo canal, desaparecía el sonido del feedback y aparecía una canción.
Kristin Hersh – Hips And Makers
Los rockeros descubrieron los acústicos en aquellos 93/94. Y las rockeras también. Parece que esto de estar forzados y forzadas a actuar como chicos y chicas duras y rockear con guitarras eléctricas distorsionadas necesitaba una válvula de escape donde puedan mostrarse más vulnerables. Y la válvula era agarrar una guitarra con mínimo acompañamiento y cantar canciones a corazón abierto. Del lado femenino, la primera que se animó fue Kristin Hersh, la cantante y guitarrista de la banda de rock alternativo Throwing Muses. Más introspectiva, más confesional, más pura, acá la voz de Kristin sólo es acompañada por su propia guitarra y por algunas apariciones de cello y piano. Y en una de las canciones, también por uno de sus amigos, otro muchacho a quien le fascinaban las canciones minimalistas, Michael Stipe, el cantante de REM.
P.O.D. – Snuff The Punk
Snuff the Punk es el segundo disco de P.O.D., acrónimo de Payable On Death, el cuarteto de San Diego de rapcore y nu metal. Muchas curiosidades en torno a este grupo que se hizo bastante concido a comienzos del 2000 pero que ya traían encima más de 10 años de trayectoria. Primero, son un grupo de rap metal cristiano y sus letras se alejan mucho de la oscuridad típica de los metaleros. Hablan de esperanza, confianza, de alabanzas a Cristo y de las cosas lindas de la vida. Segundo, son también una banda crossover, que además de rap y metal, fusionan otros estilos como el hardcore, el reggae, el punk y el emo metal.
Aunque estas dos características fueron criticadas por muchos dentro de la escena metalera, vistos en perspectiva, los P.O.D. tuvieron un impacto significativo en la industria de la música por su estilo innovador y por ese mensaje positivo capaz de traspasar fronteras culturales. Su música y su mensaje llegaron a muchas audiencias diferentes y les permitieron sortear momentos difíciles.
Meat Puppets – Too High To Die
Los Meat Puppets son leyenda de culto en la historia del rock norteamericano. Los hermanos Kurt y Cris Kirkwood, punk rockers de vieja escuela, fueron precursores de la escena alternativa de comienzos de los 80. Y, por supuesto, fueron influyentes para toda la generación grunge que vino después. Incluso Kurt Cobain los invitó a tocar unos temas suyos en el mítico Unplugged de la MTV. Esto por supuesto que revitalizó su obra y les dio mayor exposición mediática, un efímero y tardío reconocimiento que dos años después los llevaría a disolver el grupo de más de una década de trayectoria. Pero animados por las cosas buenas que les estaban pasando, los Meat Puppets se pusieron a grabar discos y entre esos estaba el Too High To Die!, producido por el guitarrista de los Butthole Surfers, Paul Leary.
TDK 90s 