En el episodio 199 de TDK 90s, seguimos escuchando los discos editados en julio de 1994. Suena Charly Garcia con quizá a lo mejor su último gran disco, NOFX aprovechando la ola punk para colarse en las radios y Marilyn Manson en plena búsqueda de su sonido demoníaco alienígena.
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Charly García – La Hija De La Lágrima
«No te olvides nunca que yo soy la hija de la lágrima», le respondió una señora a otra después de pegarle con una chancleta. Y al parecer, el título del séptimo disco solista de Charly García tiene que ver con esta escena que el músico presenció y que le sirvió de inspiración.
La Hija de la Lágrima es un disco de transición en la carrera de Charly, el que da inicio a esa etapa tan caótica, azarosa y un poco destroy recuperada por el eslogan “Say No More”. Y la situación era compleja, tanto la personal de Charly que cuatro meses después de salir este disco terminó hospitalizado en un psiquiátrico, como la social, que coincide con el atentado a la AMIA ocurrido el día 18 de julio de 1994. Y caóticas también fueron las funciones de presentación del álbum que tuvieron lugar en el Teatro Opera.
Más allá de la genialidad de Charly, el virtuosismo que desprende cada una de las canciones del disco, en esta época él estaba súper obsesionado con Kurt Cobain. Tanto que incluso se tiñó el pelo de rubio para parecerse más al cantante de Nirvana y la comparación trascendía el aspecto físico, llegaba hasta ese reconocimiento de García con los mismos mambos negros de Cobain, las adicciones, la relación con las mujeres, esa autenticidad musical que igual que lo da todo, también se sufre.Pero es un disco maravilloso, una ópera-rock que deja lo mejor de Charly y «Chipi chipi» es, sin dudas, una de las canciones más recordadas de ese trabajo, aunque la historia dice que esa, puntualmente, la escribió en 10 minutos para cumplir con el pedido de uno de los ejecutivos de Sony que insistía con que al disco le faltaba un tema comercial.
NOFX – Punk In Drublic
El Big 4 del punk de 1994 se completaba en julio de ese año con el lanzamiento de Punk In Drublic, el disco más relevante e influyente de la carrera de los californianos de NOFX. Los NOFX ya tenían una carrera larga de construcción de audiencia y credibilidad punk, este ya era su quinto disco, a diferencia de los otros 3 grandes como Green Day, The Offspring y Rancid que andaban por sus segundos o terceros discos. Esa experiencia extra los volvió los padrinos, junto con Bad Religion de toda esta nueva camada de bandas punk que sonaban en la radio y hasta en MTV. Y la relación de la banda con el canal musical no iba a ser la más cordial, pero en ese momento grabaron un video de su canción Leave It Alone que recibió bastante aire en MTV, pero eso sí, a la madrugada.
Lo más importante de Punk In Drublic no es el juego de palabras del titulo, que toma la frase “drunk in public” que es la contravención de estar borracho en público, y con un simple intercambio de la D y la P logra transformar a Punk en un estado y deformar public en drublic para reforzar la idea de borracho que arrastra las palabras. Perdón por la sobre explicación pero es una genialidad. Deciamos que lo más importante de este disco no era eso y sumamos que tampoco eran sus canciones, aunque esté lleno de clásicos y que representaban el mejor momento compositivo de la banda. Lo más importante de Punk In Drublic y de los NOFX en general, fue la influencia que tuvieron en cientos de otras bandas de California, de Estados Unidos y de todo el mundo. Cada ciudad del planeta tuvo en los mediados a fines de los 90s una banda clon de NOFX, ese hardcore melódico patentado con sentido del humor que los volvía únicos.
Marilyn Manson – Portrait Of An American Family
Un año después de comenzar a grabar, el 19 de julio de 1994, la banda de Marilyn Manson publicó su disco debut, el Portrait Of An American Family. Lo que este disco vino a ser, para los pre-adolescentes y adolescentes de los 90 fue el equivalente de las historias de terror a lo escalofríos, o un poquito más pesado, filosófico y “prohibido”: lo que estaba cuestionando con su música este artista eran las pulsiones escondidas en la sociedad conservadora y de doble moral.
Y de ahí este título tan singular: Retrato de una familia americana. Y en el interior, un repertorio de canciones heavy metal que combinan elementos de cultura pop como Charlie y La Fábrica de Chocolate, Twin Peaks y Scooby Doo, con sonidos espeluznantes y de miedo.
En un principio, el sello Interscope se negó a distribuir el disco por las referencias a Charles Manson, sin importar que la banda fuera a publicar a través de la discográfica nothing, de Trent Reznor de Nine Inch Nails. Pero al final cedió y Reznor fue el encargado de la producción junto con Sean Beaver, Alan Moulder y el propio Marilyn Manson. Para eso, se fueron al estudio que había instalado Reznor en Los Ángeles, en el 10050 de Cielo Drive, justo donde la secta de Charles Manson había asesinado a Sharon Tate, la esposa del cineasta Roman Polansky. Regrabaron algunos cortes de la primera grabación que no les gustó, cambiaron la batería por un programa de grabaciones que había creado el tecladista de Nine Inch Nails y mezclaron algunas tomas.
Lo que provocaba Marilyn Manson era incomodidad y esa incomodidad tenía que ver con toda la parafernalia sexual, el sadomasoquismo, el simbolismo satánico, la violencia y el shock visual que ponía en el lugar de la celebridad.
Coolio – It Takes A Thief
El rapero Coolio tenía muchas cualidades similares a las de sus colegas y compañeros de costa, la oeste, pero nunca fue realmente visto como un gangsta como el resto. Y eso que hablaba de pandillas, y actuaba de manera amenazante, pero había algo que hacía que no de realmente miedo. La dos teorías que más compiten son 1, su pelo, esas rastas cortitas y finitas que le salían desparejas de la cabeza como un plato desprolijo de tallarines revoleados. Y 2, su forma de rapear más relajada y suave y cool, sin golpear tanto las sílabas. De cualquier manera, Coolio no necesitó ser asociado a la troope gangsta de la costa oeste para tener éxito, desde su primer disco, It Takes A Thief, editado en 1994, tuvo una onda inmediata con la audiencia. Esa mezcla de letras ghetto, con un tono no de disfrute de esa vida de robar y traficar sino de “hago esto porque es la única forma que tengo de subsistir” generaba más empatía en públicos diversos. Y además el estilo musical de este disco sonaba más orgánico que el de otros raperos de su costa, también con el funk como paraguas, pero acá las canciones parecen tocadas por una banda y no producidas cortando mil samples por un dj. Y el disco tenía un mega hit que fue el éxito del verano yanqui del 94 que empezaba a despedirse, Fantastic Voyage.
Backyard Babies – Diesel & Power
Dentro de la movida del rock revival escandinavo de los 90 encontramos a Backyard Babies y su disco debut de 1994, el Diesel & Power publicado por el sello Megarock Records de Suecia. Ya habían sacado previamente un EP, el “Something to Swallow” de 1991 que sonaba más rocanrolero y hard rock que lo que se conoció posteriormente, en especial con el Total 13. Y es que sus principales influencias musicales venían justamente del rock, del punk, del blues y de ese resabio hard metal o incluso metal glam de los 80.
Este disco tuvo buena recepción en general y lo más destacable es la química que tenían para tocar y componer en grupo sus dos miembros principales, el vocalista Borg y el guitarrista Dregen.
Powderfinger – Parables For Wooden Ears
La tradición rockera australiana tiene muchos elementos del rock inglés por supuesto, y también del rock norteamericano llamemoslo “del interior”, ese rock menos sofisticado y más agresivo de los estados del medio del país. Pero cuando la banda australiana Powderfinger editó su primer disco, Parables For Wooden Ears en 1994 con un sonido que mezclaba dos géneros yanquis como el Americana y el reciente grunge, en Australia los destruyeron. Agrandados, pretenciosos, el equivalente de cipayos y muchas cosas más escribieron los periodistas de rock de su país. Y con el tiempo hasta los propios músicos les dieron la razón llamándolo “una bestia complicada”, excusándose con que aún estaban tratando de encontrar su identidad y rematándolo con un “realmente no se en qué estabamos pensando”. Pero queda el archivo, de un debut de los Powderfinger que suena como los australianos más yanquis de 1994.
Sir Mix-A-Lot – Chief Boot Knocka
En julio de 1994 también salía el cuarto disco del rapero de Seattle, Sir Mix-A-Lot. Este álbum, titulado Chief Boot Knocha, sigue un poco el estilo que venía haciendo: un rap pop bailable y divertido. Sin embargo, en varias entrevistas que le hicieron en aquella época al artista, se lo ve como una persona inteligente y con una opinión política y social muy formada, casi tanto como los Public Enemy. La diferencia está en que en el aspecto musical, Mix en realidad nunca fue tildado de intelectual o hardcore sino más bien de popero o también más divertido o más infantil, como se lo vio en el tema «Baby Got Back», un tributo a las mujeres afroamericanas con glúteos prominentes. Pero ojo, porque ahí también puede leerse una postura crítica e interseccional sobre los cuerpos no hegemónicos de las mujeres racializadas. Todo depende del contexto, de quién lo dice y quién lo interpreta.
Moe Tucker – Dogs Under Stress
El rol de Moe Tucker en la historia del rock americano es gigante. En 1965 cuando se sumó a la Velvet Underground se convirtió en la primera mujer genuinamente música instrumentalista en una banda de rock a escala global. Hasta ese momento las chicas en el rock eran cantantes o un adorno lindo, pero con Moe todo cambió y encima desde la batería. Y no se quedó en el título honorífico de “la primera mujer en”, innovó siendo la primera en tocar la batería parada y en definir una estética minimalista y primal que terminó de darle su identidad a la Velvet Underground. Casi 30 años después, luego de una breve reunión de la banda, Moe Tucker volvió a llenarse de energía y grabó su cuarto disco como solista, Dogs Under Stress, en 1994. Y para alguien que no mira su foto, no reconoce su nombre y no sabe nada de su historia, el sonido que logró en ese disco es más parecido al futuro que al pasado.
TDK 90s 